舞蹈是人体配合某一节奏连续进行的、有一定空间范围的运动。它可以是情绪的表露,剩余精力的发泄,或者只是消遣作乐的工具。
        舞蹈是有人类以来就有的。有的权威甚至指出,某些鸟兽也会下意识地表演有节奏的动作,因为它们也是在特定的范围内(例如,交配之前)表演的,所以也可以说是在跳舞。当然,在原始人的或多或少带有自觉性质的舞蹈动作(往往是对动物的动作的模拟)中,节奏是下意识的。原始人发现,跳舞可以发泄他的剩余的精力,给他带来乐趣,并且表达他对生活中最为重要的事件的感觉。他相信,通过舞蹈,他可以跟精神世界进行交往(这个精神世界是看不见的,但统治着他生活其中的那个物质世界)。因而,原始舞蹈是一件同部落的安危祸福密切有关的严肃事情。原始人跳舞是为了庆祝生育,医治疾病,哀悼死者,祈祷上天保佑狩猎的成功或者战斗获胜以及祷告求雨等等。
        随着比较复杂的农业社会和牧业社会的发展,舞蹈也逐渐从宗教和魔法中分离出来,越来越同娱乐和社交发生密切的联系。后来,原始舞蹈发展成了民间舞蹈,其中包括儿童的嬉游舞蹈和成年人的宫廷舞蹈。民间舞蹈经过西方中心城市的上层阶级的改编加工,变成了社交舞蹈(或称“舞会舞蹈”),带上了西方城市社交界的明显的特征。虽然民间舞蹈和社交舞蹈失掉了原始舞蹈最初具有的严肃目的,它们仍然保留着礼仪的根子。同时,它们在技术上和风格上都经过了修饰琢磨,变得多样。
        具有高度文明的世俗社会创造了剧场舞蹈,由受过训练的职业演员为观众表演。剧场舞蹈强化了风格模拟、精雕细琢和技巧。它常常(尤其是在西方)是某个演员或编导的罕见的天赋所造成的。然而,它仍然保留着礼仪的基础。例如,诸如古典希腊剧场舞蹈和印度庙宇舞蹈这类民族剧场舞蹈,主要是宗教礼仪性质的,内容都是祭神和祈祷。但即使是象西方芭蕾舞和现代舞这样的世俗性较浓的舞蹈,也有可能从原始礼仪中获取灵感。
        
        动作必须具备下列诸要素,才能称为“舞蹈”: 图形、舞步、手势、力度和技术。跳舞还需要有音乐和服装这些与之密切有关的要素来配合,才能达到更大的效果。所有这些要素成功地相互影响,正是学习和表现舞蹈风格和技术的漫长过程的结果。
        基本要素 舞蹈的特点之一是图形,即在时间上和空间上对动作的组织,或者说动作的模式。节奏提供了时间样式,将带重拍和不带重拍的动作组织为小节。地面样式(即演员双脚在地面上移动的轨迹)和平面(即他移动时所处的水平) 创造了空间模式。尽管所有图形都既涉及时间又涉及空间,但不同的舞蹈形式中有的侧重于时间,有的则侧重于空间。例如,原始舞蹈和踢跶舞特别注重时间样式——节奏,而芭蕾舞则侧重于空间样式。
        舞蹈图案主要由舞步构成,而舞步则又是从人的基本运动——走、跑、跳、跃、滑行、急奔、腾空大跳、转圈和摇摆等等演变而来的。舞步可以按不同的方式进行组合,并加上浓厚的风格情调。
        舞蹈还可以用身段来表达特殊的情绪或者思想(通过模拟或者符号语言)。有的是比较自然的,例如,挥舞长矛表示愤怒,紧抱双拳表示恳求。原始舞蹈和现代舞常用的自然的身段,应该仅仅用于情绪上有此需要的场合。
        另一些身段是程式化的,高度风格化了的。它们构成了特定的某种舞蹈形式的统一词汇,因此,只有熟悉该文化的观众才能懂得。 例如, 在日本剧场舞蹈中轻轻跺脚表示战斗，而在印度古典舞蹈中双手做波浪形动作,代表“水”的意思。这类艺术化身段,是东方舞蹈的重要特征,但在十九世纪浪漫主义芭蕾舞剧中它也占有重要位置。
        舞蹈还包括力度——用以做出动作的紧张状态,力或者能。舞蹈的力度可以互不相同,从徐缓一直到充满活力,力度的转移或变化,可以是缓慢的,也可以是猛烈的。一个舞蹈的效果取决于它的动态如何。
        最后,舞蹈表演还需要具备完成动作的技术或技巧。技术高超的舞蹈演员,能够充分地控制自己身体的肌肉。在某些舞蹈形式中,高度的技术就是目的本身,例如,斯拉夫的民间舞蹈和古典芭蕾舞剧中的双人舞。另一些舞蹈则把高度发达的技术当作更充分地表达思想的手段,例如,印度的庙宇舞蹈或者某些有心理动机指导的现代舞就是这样。
        有关的要素——音乐 由于舞蹈的基础是节奏,所以舞蹈同音乐的关系要比任何一种艺术都来得更为密切,而且几乎永远都有音乐伴奏。在原始社会中,舞蹈、音乐和戏剧是整个公社举行的某一礼仪的一个部分。起初,舞蹈者自己唱歌、喊叫或者拍手,来为自己提供“音乐”——这种做法至今还可以一在某些民间舞蹈中见到。由于比较复杂、比较刚健有力的舞蹈要求舞蹈者付出更多的精力,所以,音乐伴奏的任务就交给了观众,后来终于又交给了一批受过专门训练的乐师——他们组成了歌队或乐队。
        在东方剧场舞蹈中,一般地说,舞蹈、动作、歌曲和乐器,都是必不可少的,例如,在印度和日本的古典舞蹈中,舞蹈、台词和音乐是在同一个宗教传统的范围之内一起发展起来的。
        但是,在西方,由于在那里舞蹈被中世纪教会认为是不道德的,所以,舞蹈音乐带有世俗性质,是完全独立于宗教音乐之外发展起来的。结果社交舞蹈和舞剧经常把音乐变成一组舞曲音乐形式,十七世纪组曲的发展就表明了这一点。后来象莫扎特、贝多芬和柴可夫斯基这样一些作曲家,为舞剧专门写作了音乐,并且也把舞蹈音乐改编成了非舞蹈的作品。
        二十世纪舞蹈和音乐之间的互相联系有了两种平行的发展。一种是舞剧编导们开始采用不是为舞蹈专门写作的音乐。例如,福金采用了肖邦和里姆斯基一科萨阔夫的作品,巴兰钦采用了巴哈、莫扎特、伊夫斯和来伯的作品,安东尼·丘多尔采用了玄堡和马勒的作品。另一种是舞蹈界的知名人士也开始认识到同作曲家密切合作的优越性。俄罗斯芭蕾舞团的班主佳吉列夫和现代舞大师马萨·格雷姆分别聘请斯特拉文斯基、德·法雅、辛德米特、柯普兰、德洛·玖伊奥和凯奇为自己写作音乐。所以,完全可以公正地宣布,舞蹈是二十世纪音乐的最大主顾。
        服装和道具 服装和道具这两个可以看见的要素,也对舞蹈作出了贡献。在原始舞蹈和东方剧场舞蹈中,它们都不是从属于舞蹈演员的动作的装饰品,而是具有积极的意义的。某些礼仪性长袍、面具和头饰,例如,“易洛魁假面群体”佩戴的面具,被认为可以给佩戴者带来超人的权力。面具、风格化的化妆和精心制作的头饰,例如,在某些印度舞蹈中,它们既遮盖了表演者本人的脸孔,又表明了人物角色的性格。中国和日本的舞蹈中的长袍的飘舞的大袖(即“水袖”——译注) ,被小心翼翼地用来创造装饰性和象征性效果。在日本,一个舞蹈演员必须身穿几层绣花“和服”,并在舞台上一件又一件地换装,以表示性格的变化。
        民间舞蹈和社交舞蹈的服装是由日常服装演变来的节日盛装。在宫廷舞蹈文艺复兴和巴罗科时期的芭蕾舞剧中,追求展览时髦式样和富丽豪华,而不注意舞蹈者的舒适,也不重视对性格作细致的刻画。长而重的绸缎外衣和精心制作的头饰或假发发套,限制了动作,只能做出一些庄严的舞步,局限于复杂的地面图形的范围之内,这些图形使服装更显得好看,但不需要化费多大力气,也没有什么技巧。
        由于技术在十八世纪,尤其是在十九世纪,越来越在芭蕾舞剧占据重要地位,女演员的长裙被剪短了,露出腿和脚来,最后变成了非常短的、浆硬了的古典舞裙,或者说与小腿相齐的、白色透明的浪漫主义薄纱舞裙。在有情节的芭蕾舞剧中则采用更为精确的符合历史年代和人物性格的服装。
        到了二十世纪的美国现代舞,它注重舞蹈演员的身体的富有表情的线条,而不大注重展览美丽的服装,因而经常用练功服作为演出服装——针织的连衣裤和紧身体操服,只是稍稍加一点表示时代或性格的标记。当代的一些舞剧一般也追随这一趋势,采用练功服来演出。
        手中的道具象服装一样,也可以增强舞蹈的效果。例如,兵器可以用于所有表现战斗内容的舞蹈。在原始舞蹈中,象响板和护身符这类道具,是具有实用功能的——作为舞蹈的伴奏,驱魔辟邪等等。在印度古典舞蹈中,由于妨碍程式手势,所以手里不大拿道具。然而,在日本古典舞蹈中,演员可以通过耍扇子来表达思想或者代表某一物件。西方芭蕾舞剧也利用道具 (如扇子、花环、弓箭和棍棒) 来表明时代、性格和情节,但是,当跳起要求较高的舞蹈时,都把这些道具撇在一旁。无情节的舞剧和最现代派的舞蹈把道具减少到了最低限度,以便演员可以自由地动作。
        训练 所有形式的舞蹈都需要训练,其多少是取决于这种舞蹈形式的难易如何。……

——朱立人译,摘自《美国百科全书》瓦尔特·索列耳《舞蹈》

        舞蹈是身体的一种有节奏的运动。“舞蹈” (dance)一词,大概源自高地日耳曼语dans这个词,意为“伸展肢体”。英语的dance 同德语的danson,意大利语的dama,法语的danse都很近似。在每一个国家里,人们都在跳舞。

——朱立人译,摘自《美国新知识百科全书》,凯克林·麦斯杰伊《舞蹈》